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Músicos:
Una Vida de Andrés Calamaro
La vida de Andrés Calamaro resume como pocas el recorrido sinuoso de una generación: desde su adolescencia durante los años más oscuros de la Argentina hasta su partida a España en medio del infierno inflacionario de los primeros noventa, aparecen en forma entrecortada momentos de éxito fulgurante –los días de Mil horas, con los Abuelos de la Nada-, segmentos de transición y colaboración –los días como productor de Los Enanitos Verdes y Los Fabulosos Cadillacs- y estallidos privados -los días de Nadie sale vivo de aquí, una estrella de infinitas puntas que guarda todavía hoy más de un secreto para descubrir-. Después, en Madrid, la plataforma compacta y afiebrada de Los Rodríguez va a dejar que se crucen amistosamente la balada y el flamenco, el paso de los toros con el trote por las pampas, las plazas repletas con la enfermedad. Y luego volver, con otra vitalidad, al juego fértil del solitario. Entre el goce supremo del triunfo futbolístico y la intimidad del blues generacional, la música de AC ha mostrado ya por más de dos décadas su versatilidad, sin dejar de inquietar ni despegarse del oído de los miles que conforman, hoy, la nutrida legión calamarense.
Andrés Calamaro nació el 22 de Agosto de 1961 en el puerto de Santa María de los Buenos Ayres, bajo el cielo protector correspondiente al signo de Leo. Desde pequeño orientó sus magnetos hacia la música y muy precozmente compuso su primera canción: un compañero de colegio le susurró el nombre Chica del paraguas –con el que bautizó a su primogénita- sin darse cuenta todavía que ese nombre ya existía en un disco de Los Gatos, combo fundacional del rock argentino. A los diecisiete entró por primera vez a un estudio para grabar junto a Raíces el álbum B.O.V. Dombe, y desde ese día no parece haber detenido demasiado la marcha: lleva editados veintiún discos y el último, que es doble, muestra sólo una parte del último año de grabaciones intensivas.
A fines de los setenta armó su primer grupo musical, la Elmer Band, donde interpretaba canciones propias junto al guitarrista Gringui Herrera. Al rato, un recién llegado Miguel Angel Peralta lo llamó para integrarse como tecladista a una nueva versión de los legendarios Abuelos de la Nada. Llegó el éxito y las luces en la cara para cantar, a lo largo de cuatro discos, una serie de hits adhesivos e inolvidables, como Sin gamulán, Mil horas, Así es el calor y Costumbres argentinas. En 1985, después de algunos desencuentros internos y la salida de un primer trabajo solista –Hotel Calamaro- Andrés se fue de los Abuelos. Registró junto a un seleccionado de jóvenes músicos amigos su segundo álbum, Vida Cruel , un disco que sintetizaba los sonidos que revoloteaban en la época: new wave, toques de dark, cierto pop claustrofóbico. El álbum tuvo buena acogida entre la crítica pero no resultó el éxito esperado en las tiendas. Al año siguiente, Andrés desempolvó la cazadora de cuero y se entusiasmó de nuevo con el rock and roll: en ese ticket de vuelta a las raíces de una música que jamás había dejado de escuchar se fueron sellando las canciones que irían a formar arte y parte de Por Mirarte. El disco vio la luz recién en 1988, y mientras tanto Calamaro produjo a Los Fabulosos Cadillacs, Los Enanitos Verdes y Don Cornelio y la Zona y formó una banda nueva, donde militaban Ariel Rot –que había vuelto de España- y Gringui Herrera. Los conciertos y las giras se sucedían y no tardaron en aparecer nuevas canciones, al tiempo que el clima en Argentina –con hiperinflación, caos político e inestabilidad constante- se tornaba irrespirable. A principios de 1989 Calamaro & su banda entraron a grabar, junto a Mario Breuer –ingeniero de sonido que trabaja con Andrés desde los tiempos de Raíces- y un seleccionado de músicos invitados, una obra que desde su nacimiento fue definitiva: Nadie sale vivo de aquí. El álbum fue elegido como el mejor del año, pero la crisis se ahondaba y terminó repercutiendo en la industria discográfica: el vinilo escaseaba y hacía difícil la producción de discos. En septiembre de 1990 Andrés decidió viajar a España y cambiar el aire. Apenas tocó suelo madrileño se reunió con Ariel Rot y Julián Infante –los dos ex Tequila- para largar con los ensayos del grupo que no era, todavía, Los Rodríguez. Empezaron también los shows en pequeños rincones dorados que funcionaron como pistas de prueba para las canciones de Buena suerte , un debut refrescante repleto de energía y buen humor. A principios de 1992 el grupo se presentó en Buenos Aires por primera vez, y volvió a los pocos meses para tocar en un estadio, siete años después de que Andrés tuviera su último éxito masivo: el retorno del guerrero se debía a la popularidad de Mi enfermedad, una canción de Buena suerte que la voz de Fabiana Cantilo había convertido en superhit en Buenos Aires. El Disco Pirata –suma de presentaciones en directo y alguna versión en estudio- ya se había editado, pero la auténtica explosión de Los Rodríguez comienza cuando firman contrato con DRO para editar Sin documentos, una colección sabrosa de canciones , donde brillaban la rumba del título, el himno Salud (dinero y amor) y la canción de cuna 7 Segundos, todas firmadas por Calamaro. Los años siguientes vienen de cosecha: muchas giras por España y Latinoamérica que confirman la precisión de la maquinaria Rodríguez, un disco grabado en el Cortijo de Málaga en 1995 (Palabras más, palabras menos), la edición de viejas Grabaciones encontradas en solitario y el ritmo agotador que no cesa. Entonces: sobreviene un disco de maquetas, trozos de conciertos e inéditos (Hasta luego) que se convierte en éxito absoluto de ventas y el grupo culmina una gira española con Sabina. De repente, y por diversas razones, Los Rodríguez dejan de existir. En febrero de 1997 Andrés empieza a grabar, en Estados Unidos y con un batallón de sesionistas preferidos, su primer disco solista desde Nadie sale vivo de aquí. Alta Suciedad exhibe, con firmeza y elegancia, algunas de las múltiples caras que el artista supo esconder y mostrar durante todos estos años. Dicen presente la balada clásica, el rock deformado, el funk y esa especie singular de canción (..que desaparece...) convertida ya en marca personal: Todo lo demás, El tercio de los sueños o Cuando manda marinero. El disco se transforma en un suceso, superando el medio millón de copias vendidas en el mundo, y vuelven las giras multitudinarias. Pero el inquieto compositor comienza el 98 con una nueva letra y termina en el 99 con más de una centena de canciones completas. En el medio, un año de frenesí productivo entre cuatro puntos cardinales: Buenos Aires, Madrid, New york y Miami. Y al final, en marzo, se vuelve visible sólo la parte de adelante de un baúl cargado hasta el tope. Nada parece faltar en las treinta y siete canciones de Honestidad Brutal, grabadas con casi el mismo número de invitados especiales, en sesiones marátonicas que probablemente no hayan cesado. Porque el disco termina con una palabrita clave: Continuará.
Charly: Un Ídolo
Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos
Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto
Rodríguez y los hermanos Belia formó , que, tras sufrir varias
deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk
norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres
discos: "Vida" (1972), "Confesiones de
Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las
Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en
1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el
cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui
Generis".
En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del
rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y
María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente
banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su
corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer
Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas
claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco
discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las
Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980),
"Peperina" (1981) y "No llores por mí,
Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la
Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis
Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama
al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese
momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación
(durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en
inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público.
Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo
"No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente
colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco".
Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en
batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo
y Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un
imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de
Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del
show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y,
en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la
ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos
acordes de "No bombardeen Buenos Aires".
En su siguiente trabajo como solista ("Clics
Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque
la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo,
"Los dinosaurios". Este material fue presentado los
días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park,
acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo),
Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo
(coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este
disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por
primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el
ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta
entonces concepto primordial del Rock Nacional.
La trilogía esencial de García se completa con "Piano
Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo
Hoteles" y en "Raros Peinados Nuevos" a sus
máximos logros.
En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una
recopilación, "Grandes Exitos"). Quedó trunco un
proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron
algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído
en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival
Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió
el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre
otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó
"Tango" (1986). Este material fue presentado en la
discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa,
pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más.
Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard
Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de
Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las
Ligas".
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por
muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue
grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un
rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de
sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el
contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la
banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en
guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería,
Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana
Cantilo en los coros.
El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser
la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que
deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por
los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas
asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos
internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen,
acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como
representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo
le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly
arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen
Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta
del Tentempié".
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película
"Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual
también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente
álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989),
esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas,
que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y
Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio
por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP
incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que,
finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival
organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas
en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana
Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista
tocara media hora, García actuó por más de dos horas y
terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario
iluminado con luces celestes y blancas.
Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo
de García, influencia que se vería más notoriamente en
"Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con
Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de
Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié
inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en
"Filosofía Barata...") y continuó con
"Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por
causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la
nada.
El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años,
García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital
Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario
dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para
burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese
año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había
ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría
confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor
Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación
Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.
La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo
estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada
"Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron
Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki
& The Valderramas.
En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées,
una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes,
Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y
rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el
Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos
esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a
Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92"),
recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados,
durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro
no dio para mucho más.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha
presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó
varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo
tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en
clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?»,
le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que
tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me
tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si
me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco,
vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en
Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los
indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López
y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales
(la García López Band y Man Ray, respectivamente). García
convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas, para cumplir
ambas funciones, guitarra y coros.
En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock
"La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo
incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La
sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los
hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se
presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.
En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de
la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a
Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de
sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba
en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda
ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas
fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la
costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15
forever", que había quedado afuera de "Tango 4",
y "Te recuerdo invierno", una melodía que García
compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once
covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket
to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street"
(Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling
Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único
tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a
Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo
cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó
Charly.
Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se
presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena
televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de
todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda
Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo
año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a
fines del '95.
En 1996 edita un nuevo larga duracion de estudio : Say No More
que incluye temas como "Alguien en el mundo piensa en
mi", "Cuchillos" y "Say No More". Lo
presenta en el teatro GranRex y se cancelan las ultimas
presentaciones por problemas varios.
En 1997 produce el disco de Mercedes Sosa, Alta Fidelidad que
incluye varios de sus temas de tadas las epocas cantados por la
Negra y en 1998 lanza su ultimo disco hasta el momento: El
aguante con temas propios y covers en castellano.
Discografía solista
"Yendo de la cama al living", 1982
"Pubis Angelical", 1982
"Clics modernos", 1983
"Piano Bar", 1984
"Terapia intensiva", 1984
"Grandes éxitos", 1985
"Tango", 1985 (con Pedro Aznar)
"Parte de la religión", 1987
"Lo que vendrá", 1988
"Cómo conseguir chicas", 1989
"Filosofía barata y zapatos de goma", 1990
"12 años", 1991 (recopilación)
"Radio Pinti", 1991 con Enrique Pinti y Pedro Aznar
"Tango 4", 1991 (con Pedro Aznar
"87-93", 1993 (recopilación)
"La hija de la lágrima", 1994
"Oro", 1994 (recopilación)
"Casandra Lange, Estaba en llamas cuando me acosté",
1995
"MTV Unplugged", 1995
"Say No More", 1996
"Alta Fidelidad", 1997
"El aguante", 1998
John Lennon: Una Leyenda
"Hubieran puesto, al
menos, la foto de Paul. Por lo menos es más atractivo".
Esta fue la frase con la cual el presidente del sello EMI, Joe
Lockwood, juzgó la provocativa portada de "Unfinished Music
No. 1- Two Virgins", debut en solitario del Beatle. La foto
en cuestión mostraba a Lennon y Yoko Ono desnudos, y el disco
era menos shockeante: un collage experimental influído por
compositores avant garde como Karlheinz Stockhausen. Demasiado,
incluso para la época. A "Two Virgins" le siguieron
"Unfinished Music, No. 2 - Life with the Lions" (donde
se podían oír los latidos del hijo que Yoko debió abortar por
su adicción a la heroína), "The Wedding Album" (un
homenaje a su propio casamiento, con grabaciones del bed-inn en
un hotel de Amsterdam), y los singles "Cold Turkey",
"Give Peace a Chance" e "Instant Karma".
Los Beatles se separaron, y Lennon se sometió a la terapia
primal del doctor Janov; recién allí pudo atenuar la neurosis
que acarreó la perdida de su madre. El resultado artístico fue
el long play "Plastic Ono Band", primero de los
llamados "discos confesionales", que fue apoyado con
una extensa entrevista a la revista Rolling Stone. Luego llegaron
el single "Power to the People" y el elogiado
"Imagine". En ese disco, tras la ya mítica balada,
Lennon emprendía una furibunda diátriba contra Paul Mc Cartney
("How do you sleep?") que complementaba su siempre
inestable estado emocional.
Ya instalado en Nueva York, "Sometime In New York City"
(grabado con el grupo hippie Elephant's Memory) ofrece una serie
de canciones altamente politizadas, con un Lennon que coqueteaba
con los activistas norteamericanos Jerry Rubin y John Sinclair.
Estas amistades serían el puntapié inicial de una complicada
relación con el gobierno estadounidense (se negaba a darle la
visa de trabajo). La poco claros vínculos de Lennon se
extenderían incluso hasta Yoko Ono, de quien se separaría para
iniciar una relación con su secretaria, May Peng.
Duarnte 1974 y 1975 Lennon se estableció en Los Angeles junto a
músicos amigos como Harry Nilsson, Ringo Starr, Keith Moon y
Elton John. Fue la época de su "lost weekend": no era
raro verlo en peleas y borracheras por los antros californianos.
"Walls and Bridges" y "Rock and Roll" fueron
los frutos de esta era. El primero, un disco post
"divorcio" de Ono que incluía el hit "Whatever
Gets You Through the Night", coescrito con Elton John; el
segundo, una serie de standards rockeros de los años 50 que le
ocasionó algunas peleas con el productor del disco, Phil
Spector. Tras un recital en el Madison Square Garden junto a
Elton John, Lennon se reconcilió con Yoko, que quedo embarazada.
El 8 de octubre de 1975 nació Sean Ono Lennon, y el ex-beatle se
alejó durante cinco años de la música.
En 1980 John decidió volver a grabar. El resultado fue
"Double Fantasy", un disco que presagiaba un retorno
glorioso. El 9 de diciembre de 1980, los disparos de Mark Chapman
borraron toda ilusión.
Discografia
Unfinished Music N°1 Two
Virgins
Unfinished Music N° 2- Life with the Lions
The Wedding Album
John Lennon / Plastic Ono Band
Imagine
Sometime in New York City
Mind Games
Walls and Bridges
Rock and Roll
Shaved Fish
Double Fantasy
Milk and Honey
Menlove Avenue
Anthology
Led Zeppelin
Integrantes
Robert Plant: voz. Jimmy Page:
guitarra, mandolina. John Paul Jones: bajo, teclados. John
“Bonzo” Bonham: batería
Aún hoy resulta asombroso que el primer disco de Led Zeppelin
haya sido grabado en 1969 en sólo treinta horas de estudio. La
unión entre dos viejos conocidos de las sesiones de estudios del
Swinging London (John Paul Jones y el ex Yardbird Jimmy Page)
junto a John Bonham y Robert Plant dieron como resultado un disco
que iba más allá del sonido duro que habían patentado bandas
como Cream o la Jimi Hendrix Experience. El agudo tono de la voz
de Plant, sumado a las ya reconocidas virtudes como guitarrista
de Page, la ductilidad como instrumentista de Jones, la ferocidad
en el golpe de Bonham y canciones como “Dazed and
Confused” daban como resultado la creación de una nueva
etiqueta para esta clase de música: hard rock.
A “Led Zeppelin” le siguieron tres discos que no
poseían títulos: solamente sus números correlativos. “Led
Zeppelin II” contenía el hit “Whole lotta love”,
y rankeó directamente en el número 1 de los charts
estadounidenses. El grupo, a partir de allí, adoptó una
política inédita: no solo no cortarían singles de sus discos,
sino que tampoco darían entrevistas a la prensa, a la que
acusaban de hablar más de sus ya legendarias orgías y
destrucciones de habitaciones de hoteles que de su música. Esta
postura, ideada por su manager Peter Grant, se mantuvo durante
muchísimo tiempo sin alterar sus ventas ni la relación con su
más que fiel público.
Led Zeppelin III”, pese a poseer temas duros como
“Inmigrant Song”, representó un cambio sonoro:
influidos por Fairport Convention y la Incredible String Band, un
sonido folk se apoderó del grupo. Y “Led Zeppelin IV”,
fue, sin dudas, la apoteosis. Un disco perfecto, con temas como
“Black Dog”, “Rock and Roll” y la inmortal
“Stairway to Heaven” los consolidaron en el mundo
entero. El cuarteto daba shows que duraban entre tres y cuatro
horas, y Page llegó a ser descripto como “el Paganini del
rock”. “Houses of the Holy”, su secuela, los
mostraba coqueteando con el reggae y el funk, sin abandonar sus
tradionales páginas rockers y acústicas.
Un estratégico retiro fue el preludio de “Physical
Graffiti”, su “álbum blanco”, editado en 1975. La
diversidad de estilos (folk, hard rock, blues, música arabe en
“Kashmir”) los volvieron a posicionar como una de las
grandes atracciones de su tiempo. Para ese entonces Page,
vinculado desde los inicios del grupo con ciertas prácticas de
magia negra, vivía en una casa a orillas del Lago Ness que
había pertenecido a otro personaje vinculado con estas
aficiones, Alistair Crowley.
Posteriormente, la familia Plant sufre un accidente en unas
vacaciones en Rhodas. Y en 1977, Karac Plant, el hijo de Robert,
muere víctima de un virus infeccioso. La leyenda vinculó a Page
y a la magia negra con estos decesos.
Tras el estreno del film “The Song Remains the Same”
(grabación de un show de la gira estadounidense de Houses of the
Holy, sumado a imágenes personales de cada uno de los miembros
del grupo, y auténtico film de culto en la Argentina), rumores
de separación afectan a la banda. La aparición de “In
Though the Out Door”, sumado a un concierto para 250 mil
personas en el festival de Knebworth, los disiparon. Pero,
previamente a una gira americana, la tragedia se volvió a
presentar en las filas zeppelinianas: el baterista John Bonham,
tras tomarse cuarenta medidas de vodka, se ahogó con su propio
vómito en la casa de Page el 25 de septiembre de 1980. Tenía
treinta y dos años. El grupo, tras un comunicado de prensa,
decidió no reemplazarle, y sólo se volvió a juntar en dos
ocasiones: en Live Aid, con Phil Collins en batería; y en un
concierto tributo al sello Atlantic, con Jason Bonham en el lugar
que ocupaba su padre.
Discografia
Led Zeppelin – 1969
Led Zeppelin II – 1970
Led Zeppelin III - 1970
Led Zeppelin IV – 1971 (recomendado)
Houses of the Holy - 1973
Physical Graffiti - 1975
The Song Remains the Same - 1976
Prescence - 1977
In Though the Out Door – 1979
BBC Sessions - 1998
Nirvana
Integrantes
Kurt Cobain: voz, guitarra.
Krist Novoselic: bajo. Dave Ghohl: batería
‘’Es mejor quemarse que desvanecerse”. Esta frase
de Neil Young fue incluida en la nota suicida que dejo Kurt
Cobain, y es un poco el epitafio para otra frase famosa atribuida
a Truman Capote: “Viví rápido, morí joven, y deja un
bello cadaver”.
Nirvana volvió a poner a la cuidad de Seattle dentro del mapa
mundial del rock. Patria chica de Jimi Hendrix, en la década del
’90 fue la cuna de un movimiento llamado grunge: jóvenes
sin otra aspiración que tocar la guitarra y ser auténticos, sin
transar con sus propios ideales. Se los llamó Generación X, de
la mano del homónimo libro de Douglas Coupland. Sus films
emblemáticos fueron “Singles” y “My Own Private
Idaho”.
Nirvana editó su primer single, “Love Buzz”, en
noviembre de 1988 por el sello Sub Pop. Le siguió su primer LP,
“Bleach”. Luego de giras junto a Sonic Youth, entre
otros, Cobain quiere hacer un tema en la onda de su grupo
favorito en ese momento, los Pixies. Ese es el germen de su hit
“Smells like teen spirit”, hit single de
“Nevermind”, su segundo disco, que desbanda de la cima
de los charts a Michael Jackson y Guns’n’Roses. Le
siguen giras y conciertos incendiarios, donde muchas veces
terminaban destruyendo sus instrumentos en escena.
Un compilado de lados B, inéditos y tomas alternativas llamado
“Incesticide” es lanzado al mercado poco de después de
que Kurt contrajera matrimonio con Courtney Love, líder del
grupo Hole. Comienzan a grabar su tercer disco bajo la
producción de Steve Albini, con varios títulos tentativos:
“I hate myself and I want to die” y “Verse Chorus
Verse”. Finalmente aparece editado con el título de
“In Utero”, y el primer corte de difusión es
“Heart Shaped Box”, canción que es acompañada de un
tenebroso video. Una gira europea es el anuncio de lo que
vendrá: tras una seguidilla de shows, Cobain es internado en
Roma por una sobredosis de barbitúricos. Se repone, y viaja a
los Estados Unidos para curarse de su adicción a la heroína.
Luego de escapar del centro de rehabilitación, se encierra en su
casa de Seattle y se suicida de un escopetazo en su boca. Su
cuerpo es hallado el 8 de abril de 1994. Tenía 27 años, la
misma edad que Jim Morrison, Brian Jones y Jimi Hendrix al
momento de morir.
Post mortem, se publicaron dos discos de Nirvana: “MTV
Unplugged in New York” (con sentidas versiones de “The
man who sold the world” de David Bowie y “All
Apologies”; y un disco en vivo, “From the Muddy Banks
Of The Wishkah”.
Discografia
Bleach
Nevermind (recomendado)
Incesticide
In Utero
MTV Unplugged in New York
From the Muddy Banks Of The Wishkah
